e mois-ci, je vous parle de mobilier peint. Cela faisait longtemps que je souhaitais consacrer un article à ce sujet qui me tient particulièrement à cœur, et cela pour plusieurs raisons.
La première, c’est que le mobilier peint appartient à une tradition artistique et artisanale extraordinairement riche. Des meubles français et européens aux réalisations asiatiques ou amérindiennes, les exemples sont innombrables et certains sont d’une beauté remarquable.
La seconde, c’est que j’avais envie de vous faire découvrir quelques techniques anciennes de peinture sur bois, bien antérieures à l’apparition des peintures industrielles modernes. Les peintures traditionnelles, préparées à partir de pigments et de liants naturels, possèdent des qualités de matière, de profondeur et de patine que j’affectionne particulièrement et que je retrouve rarement dans les finitions industrielles contemporaines.
Enfin, il y a cette remarque que j’entends régulièrement : « Ah, les meubles relookés (un mot que je déteste !), c’est une mode, cela passera. » Cette phrase me hérisse. Ce qui relève davantage d’une tendance récente, c’est l’engouement pour le Do It Yourself. Peindre ses meubles est devenu un loisir créatif très populaire, encouragé par une multitude de produits grand public qui promettent de transformer n’importe quel meuble en quelques heures, parfois sans préparation particulière. Je n’ai évidemment rien contre le plaisir de peindre soi-même un meuble.
Mais il me semble essentiel de distinguer cette pratique de loisir du métier de peintre sur mobilier. Combien de fois ai-je entendu, sur les salons : « Ah, vous peignez des meubles ? Moi aussi, je fais la même chose que vous ! » Pourtant, la peinture sur mobilier ne se résume pas à appliquer une couleur sur un support. Elle suppose de connaître le bois, de comprendre les matériaux, de maîtriser les préparations, les pigments, les liants, les techniques décoratives et les finitions. C’est un métier d’art qui s’inscrit dans une tradition pluriséculaire. Et c’est précisément cette histoire, souvent méconnue, que j’aimerais vous faire découvrir.
Un mot sur les illustrations : pour respecter les droits des photographes et des institutions, j’ai choisi d’accompagner cet article de photographies autorisées à la réutilisation. Ainsi la variété des peintures n’est pas forcément représentative.
Il existe encore aujourd’hui un certain mépris pour le mobilier peint et, parfois, pour les artisans qui perpétuent cette tradition. Par méconnaissance, sans doute, mais aussi parce que beaucoup considèrent le bois apparent comme la seule finition véritablement noble. Combien de fois ai-je entendu cette réflexion : « Mais ce serait criminel de peindre ce meuble ! » Bien entendu, il ne s’agit pas de recouvrir inconsidérément un meuble ancien dont la finition d’origine présente un intérêt historique ou artistique. Mais penser que peindre du bois revient nécessairement à le dénaturer, c’est oublier que, pendant des siècles, des artisans l’ont peint, doré, orné et décoré avec une inventivité extraordinaire. Des meubles peints mexicains aux décors persans, des berceaux scandinaves aux armoires provençales, sans oublier les laques chinoises, cette tradition se retrouve dans de nombreuses cultures. Je me limiterai ici à quelques exemples, principalement français et européens. Cette sélection est loin d’être exhaustive : de nombreux ouvrages passionnants permettent d’approfondir le sujet. Loin de moi l’idée de vous donner un cours d’histoire du mobilier ! Je vous propose simplement un petit voyage à travers les siècles, de l’Antiquité à nos jours, pour découvrir quelques-unes de ces réalisations et, je l’espère, vous faire regarder le mobilier peint d’un autre œil.
Le mobilier peint/décoré : une tradition ancienne
C’est en Égypte ancienne que commence notre voyage à travers le temps. Le mobilier qui nous est parvenu, notamment grâce aux sépultures, témoigne d’un art du bois particulièrement raffiné. Dans les milieux privilégiés, les meubles pouvaient être peints, dorés, incrustés de matériaux précieux et ornés de motifs symboliques. Le célèbre trône de Toutankhamon en est un exemple remarquable. Mais le mobilier décoré accompagnait aussi les défunts dans l’au-delà. Les boîtes destinées à contenir les ouchebtis, ces petites figurines funéraires chargées symboliquement d’accomplir des travaux à la place du défunt, pouvaient elles aussi recevoir de riches décors peints.
Les civilisations grecque et romaine ont également développé un mobilier aux formes élaborées, parfois sculpté, peint ou rehaussé de matériaux précieux. Si les meubles en bois ont rarement traversé les siècles, les vestiges archéologiques, les représentations peintes et les objets conservés permettent d’en retrouver les formes et certains décors. La reconstitution d’une banquette romaine ainsi que la reconstitution d’une chaise grecque peinte nous en donnent ici quelques exemples.
Enfin, petit détour par la Villa Kérylos, construite au début du XXe siècle à Beaulieu-sur-Mer (la construction a débuté en 1902). Imaginée par l’helléniste Théodore Reinach, cette demeure s’inspire des maisons de la Grèce antique. Son mobilier, conçu spécialement pour elle, réinterprète les formes et les décors antiques à la lumière des connaissances archéologiques de l’époque.
Une belle manière de constater que, plusieurs millénaires plus tard, le mobilier antique continuait d’inspirer les artistes et les artisans.
Le mobilier peint : une tradition paysanne
Au fil des siècles, le mobilier peint ne se limite plus aux demeures des puissants. Il trouve également sa place dans les intérieurs ruraux, où se développent des traditions décoratives propres à chaque région. Ce que l’on appelle aujourd’hui le mobilier paysan ou mobilier populaire désigne un ensemble très varié de meubles, fabriqués et décorés notamment par des artisans locaux.
Ces traditions connaissent un développement particulièrement important aux XVIIIe et XIXe siècles, même si certaines puisent leurs racines dans des pratiques bien plus anciennes.
La peinture remplit alors plusieurs fonctions. Elle peut contribuer à protéger le bois, masquer les irrégularités d’essences modestes ou imiter des matériaux plus précieux, notamment grâce aux faux bois et aux décors inspirés de la marqueterie.
Mais elle permet surtout d’embellir le mobilier et de lui donner une identité. Car ces meubles sont aussi le reflet des cultures régionales. Leurs décors empruntent à la nature, aux croyances, aux traditions locales et aux grands courants artistiques.
Fleurs stylisées, bouquets, rosaces, rinceaux, motifs géométriques, figures religieuses ou scènes de la vie quotidienne composent ainsi un répertoire d’une extraordinaire diversité.
Des régions alpines à l’Europe centrale, de la Provence à l’Italie ou à l’Espagne, chaque territoire développe ses couleurs, ses motifs et ses manières de peindre. Loin d’être de simples imitations du mobilier aristocratique, ces meubles témoignent d’une véritable créativité artisanale, profondément ancrée dans la vie quotidienne. La peinture remplit alors plusieurs fonctions. Elle peut contribuer à protéger le bois, masquer les irrégularités d’essences modestes ou imiter des matériaux plus précieux, notamment grâce aux faux bois et aux décors inspirés de la marqueterie. Certaines traditions régionales emploient également des finitions particulières, comme les patines dites « sang de bœuf », que l’on retrouve notamment sur le mobilier ancien du pays de Guérande.
Tous les meubles (et au-delà, toutes les boiseries des habitations) se peignent : coffres et coffrets, berceaux et lits, armoires et vaisseliers, chaises et tables. Dans certaines régions on allie peinture et sculpture (Bretagne par exemple). Regardez ces exemples d’armoires (provençales et autrichiennes), ce coffre alsacien et ces lits catalans.
Les laques de Venise au XVIII° siècle
Ici, la technique est différente, mais l’ambition reste la même : imiter, à moindre coût, des objets de grand luxe. Dès le XVIIe siècle, les laques chinoises et japonaises suscitent un véritable engouement en Europe.
Au XVIIIe siècle, la mode des chinoiseries gagne les cours européennes et inspire de nombreux artisans. À Venise se développe notamment une technique appelée lacca povera, ou arte povera. Elle consiste à découper des gravures, souvent coloriées, puis à les coller sur des meubles ou des objets avant de les recouvrir de plusieurs couches de vernis.
Ce procédé permet de créer des décors évoquant les précieuses laques d’Extrême-Orient, sans recourir à leurs techniques complexes et coûteuses.
Mais les artisans vénitiens ne se contentent pas de copier les modèles asiatiques. Peu à peu, ils développent un répertoire décoratif bien à eux, où les chinoiseries côtoient les compositions florales, les scènes galantes et les paysages pastoraux.
En France c’est la naissance du « vernis Martin » à base de copal qui sert à imiter les laques chinoises.
Les XVIII° et XIX° siècles français
À l’image des artisans vénitiens, les artisans français cherchent eux aussi à imiter les précieuses laques venues d’Extrême-Orient, donnant naissance à des techniques décoratives originales, dont le célèbre vernis Martin.
Au XVIIIe siècle, les frères Martin connaissent donc un immense succès avec leur célèbre vernis, mis au point pour imiter les précieuses laques de Chine et du Japon. Appliqué sur les meubles, mais aussi sur de nombreux objets décoratifs, ce procédé contribue au raffinement du mobilier français de l’époque.
La recherche de décors somptueux s’exprime également dans les créations de grands ébénistes comme Martin Carlin, célèbre pour ses meubles ornés de plaques de porcelaine peinte de la manufacture de Sèvres.
Ces réalisations, qui associent plusieurs métiers d’art, témoignent de la place essentielle accordée au décor dans le mobilier du XVIIIe siècle.
Enfin, à la charnière des XIXe et XXe siècles, l’Art nouveau donne un nouvel élan aux arts décoratifs. Avec des créateurs comme Émile Gallé et Louis Majorelle, le mobilier devient une véritable œuvre d’art, où le décor ne se contente plus d’orner le meuble, mais participe pleinement à sa conception.
Des techniques de peintures anciennes, artisanales et faites maison
La préparation du bois est une étape fondamentale, trop souvent négligée aujourd’hui. Pour retrouver l’aspect et la profondeur d’un meuble peint selon les techniques que je pratique, je tiens à revenir au bois brut, débarrassé de ses anciennes finitions, puis soigneusement poncé et préparé. Car peindre directement sur un ancien vernis, même avec une peinture parfaitement adhérente, ne produit pas le même résultat. On recouvre alors une finition existante plutôt que de travailler véritablement sur le bois. La surface conserve un aspect uniforme et lisse, tandis que sur un bois mis à nu, le veinage et les particularités de la matière peuvent rester perceptibles sous la peinture. C’est précisément cette présence du bois, cette relation entre le support, les pigments et la finition, qui donne au meuble peint une grande partie de son caractère.
La plupart des peintures traditionnelles reposent sur des recettes relativement simples, à partir de quelques ingrédients : liants naturels, charges minérales et pigments. Mais si leur fabrication est souvent accessible, leur mise en œuvre demande un véritable savoir-faire. Elles permettent une grande liberté de création, depuis les effets décoratifs les plus discrets jusqu’aux réalisations les plus élaborées.À ce plaisir de travailler la matière s’ajoute un autre intérêt, particulièrement important aujourd’hui : la possibilité de privilégier des préparations simples, dont on connaît la composition, et de limiter le recours à certains produits de synthèse. Sans prétendre que toutes les matières naturelles sont inoffensives, cette démarche permet de réfléchir autrement à l’impact de nos pratiques sur la santé et l’environnement.Mais ce qui me séduit avant tout dans ces peintures anciennes, c’est leur rapport au bois et au temps. Là où certaines finitions industrielles peuvent donner aux surfaces un aspect uniforme, presque plastifié, les peintures traditionnelles offrent des rendus plus nuancés, où la matière conserve toute son importance. Elles peuvent aussi acquérir, au fil des années, une patine particulièrement intéressante. Leur beauté ne réside pas seulement dans leur aspect initial, mais également dans la manière dont elles évoluent et portent les traces du temps. Et puis, il reste toujours cette petite part d’aléatoire, ces réactions parfois imprévisibles entre le bois, les pigments et les liants… Une part de liberté que, personnellement, j’adore !
Techniques à l'eau : Détrempe et Tempera
Le terme détrempe regroupe différentes techniques de peinture dans lesquelles les pigments sont mélangés à un liant diluable à l’eau. La tempera, traditionnellement associée à l’œuf, appartient à cette grande famille. Dans sa forme la plus simple, elle se prépare avec du jaune d’œuf, un peu d’eau et des pigments. D’autres recettes associent l’œuf à une huile pour former une émulsion. Les artisans ont également utilisé des liants très variés : gomme arabique, colles animales, caséine, farine ou amidon de pomme de terre. Selon les préparations, on pouvait y ajouter des charges minérales, comme la craie, pour modifier l’opacité ou la consistance de la peinture. Ces techniques se sont développées en fonction des ressources locales et des traditions artisanales. Ainsi, les détrempes à la caséine, issue du lait, sont particulièrement associées aux régions d’élevage d’Europe centrale et septentrionale. Dans le sud de la France et en Europe méridionale, les détrempes à base de colles animales, notamment la colle de peau de lapin, occupent une place importante dans les traditions décoratives. En Asie, l’utilisation de colles de poisson témoigne également du lien entre les ressources issues de la pêche et les savoir-faire artisanaux. De même, les détrempes à la bière sont particulièrement présentes dans les traditions décoratives d’Europe centrale et du Nord. Enfin, la peinture à la farine, notamment la peinture suédoise, illustre l’utilisation de ressources simples pour protéger et colorer les bois extérieurs. Cette diversité témoigne de l’ingéniosité des artisans, qui composaient leurs peintures avec les matières disponibles dans leur environnement et les adaptaient aux supports comme aux effets recherchés.
Techniques à l'huile : Végétales et animales
Les peintures et les glacis à l’huile occupent une place importante dans l’histoire des arts décoratifs. Couramment employés dans les traditions picturales d’Europe du Nord et d’Europe centrale, ils permettent d’obtenir des couleurs profondes, des transparences et de subtils effets de matière. Leur principal inconvénient réside dans des temps de séchage souvent assez longs. Les artisans préparaient leurs peintures en mélangeant des pigments à différentes huiles végétales, notamment l’huile de lin, de noix ou de carthame. Selon les recettes et les usages, ils pouvaient également employer de l’essence de térébenthine pour fluidifier leurs préparations. À côté de ces peintures à l’huile, les techniques à la cire occupent elles aussi une place importante dans l’histoire du mobilier décoré. L’encaustique permet notamment d’obtenir des surfaces aux effets de profondeur et de patine particuliers. La cera colla, préparation à base de cire émulsionnée, appartient également à cette famille de techniques anciennes. On peut enfin évoquer la céruse, historiquement un pigment blanc à base de plomb, dont le nom désigne aujourd’hui également un effet décoratif destiné à souligner le veinage du bois. Ces techniques anciennes témoignent de la richesse des savoir-faire décoratifs. Elles permettent d’obtenir des rendus très différents de ceux d’une peinture moderne appliquée uniformément sur une ancienne finition. Et c’est précisément cette différence qui m’intéresse : retrouver le caractère du bois, la profondeur des pigments et les nuances de la matière, plutôt que de simplement recouvrir un meuble d’une nouvelle couleur.
Les pigments : Naturels ou transformés
C’est notamment avec les pigments d’origine naturelle que les artisans ont commencé à colorer leurs meubles et leurs boiseries. Parmi les plus anciens et les plus répandus figurent les ocres et les terres, comme l’ocre jaune, la terre de Sienne ou la terre d’ombre naturelle. Extraits du sol, ces pigments sont généralement lavés, broyés ou tamisés avant d’être utilisés. Très tôt, les artisans ont également appris à transformer certaines matières pour obtenir de nouvelles couleurs. La calcination, par exemple, permet de modifier la teinte des terres : l’ocre jaune peut ainsi donner une ocre rouge, tandis que la terre de Sienne naturelle devient, après chauffage, une terre de Sienne brûlée. D’autres pigments sont obtenus par des procédés de fabrication, comme le noir de fumée, produit par combustion incomplète de matières carbonées. À cette palette minérale s’ajoutent les matières colorantes d’origine animale ou végétale : la sépia, issue de la seiche, la cochenille, utilisée pour obtenir des rouges, ou encore l’indigo et la garance, qui fournissent respectivement des bleus et des rouges. Certaines de ces matières colorantes nécessitent une préparation particulière pour être transformées en pigments utilisables en peinture. Au fil des siècles, l’extraction, la transformation et la fabrication des pigments ont ainsi permis aux artisans d’enrichir considérablement leur palette, ouvrant la voie à une extraordinaire diversité de couleurs et de décors. Et derrière une même appellation, les nuances peuvent varier considérablement selon la provenance du pigment, la composition du gisement ou son mode de préparation. C’est aussi ce qui fait toute la richesse des couleurs naturelles.
Peindre un meuble, ce n’est pas simplement lui appliquer une nouvelle couleur. C’est d’abord comprendre le bois, respecter sa construction et prendre le temps de le préparer. Revenir au bois brut, débarrassé de ses anciennes finitions, permet de travailler véritablement la matière, de laisser apparaître son veinage et de préserver ce caractère si particulier que les surfaces uniformément recouvertes ont tendance à faire disparaître. C’est dans cet esprit que je travaille aujourd’hui, en associant les savoir-faire anciens, les pigments et les peintures que je prépare moi-même à une approche résolument personnelle de la décoration.
« Aujourd’hui, on trouve dans nos villes devenues inhumaines, des « peintres paysans », héritiers et gardiens des traditions qui ont retrouvé les couleurs, les thèmes et les motifs des peintres d’autrefois et parfois leurs secrets… mais surtout la sagesse et la joie de vivre » M. Pellissier
C’est mon cas
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